붉은 벽이었다. 서울 청담동 ‘메종 1755 서울’ 5층, 루브르의 전시실을 옮겨온 듯 짙은 붉은색으로 마감한 방에는 마르크 샤갈, 페테르 파울 루벤스, 에마누엘 로이체, 에드가 드가의 그림이 걸려 있고, 각 그림 앞 유리 진열장 안에는 그 그림을 직경 3.3㎝ 안에 옮겨 담은 시계 한 .씩이 놓여 있다. 관람객은 자연스레 두 번 고개를 움직이게 된다. 벽의 그림을 올려다보고, 진열장의 다이얼을 내려다보고, 다시 그림을 본다. 벽에 걸린 작품이 손목 위에서 빛을 받을 때, 다이얼 위의 시침과 분침은 마치 세월을 뛰어넘는 시간 여행자의 마법 도구 같다. 페테르 파울 루벤스의 그림 앙기아리 전투 속 깃발을 위한 투쟁이 직경 3.3cm의 다이얼에 재현된 타임피스가 함께 전시되어 있다. /바쉐론 콘스탄틴 제공 스위스 하이엔드 워치메이커 바쉐론 콘스탄틴이 지난 5일부터 오는 22일까지 여는 ‘ART OF TIME: 에나멜드 마스터피스’ 전시는 국내에서 이 메종이 선보이는 두 번째 공공 전시이자, 무료 전시다. 에나멜링의 역사를 훑는 헤리티지 타임피스 전시, 마스터 에나멜러의 작업대를 재현한 워크숍, 그리고 앞서 말한 ‘마스터피스’ 전시실까지 세 공간으로 나뉜다. 그중 마지막 방이 이번 전시를 예사롭지 않게 만든다. 이곳에 놓인 시계들은 메종의 소장품이 아니라 한국 컬렉터들이 주문 제작하거나 사들여 소장해 온 ‘프라이빗 컬렉션’이며, 공개 전시는 이번이 처음이다. 전시를 위해 방한한 크리스티앙 셀모니(Christian Selmoni) 메종 레거시 & 스타일 디렉터를 현장에서 만났다. 바쉐론 콘스탄틴에서 35년 넘게 일한 그는 2005년 창립 250주년 컬렉션과 오버시즈의 부활을 총괄했고, 2017년부터 메종의 스타일과 유산을 책임지고 있다. 전시에 대한 인터뷰를 함께 진행한 메종의 레거시 & 스타일 디렉터 크리스티앙 셀모니. ◇손목 위에 걸린 루브르 박물관 메종이 보유한 네 가지 역사적 장식 공예인 기요셰(금속 표면 패턴 조각), 젬세팅(보석 세팅), 인그레이빙(새겨 넣는 것), 에나멜링 중 셀모니가 단연 첫손에 꼽는 것은 에나멜링이다. 이유는 역설적이다. 가장 불확실하기 때문이다. 씨엔조이게임 “에나멜링은 일종의 ‘연금술’입니다. 잘못된 작업이 용납될 여지가 전혀 없고, 가마에 넣을 때마다 항상 위험이 따르죠. 미니어처 에나멜 페인팅의 경우 가마에서 서른 번을 구워내고, 서른한 번째 굽는 과정에서 무언가 잘못되면 모든 것이 수포로 돌아가게 되지요. 자연에 경외하고 예술의 경지가 무언지 깨닫게 합니다.” 에나멜은 유리질 원료에 금속 산화물을 녹여 넣고 분쇄해 색을 낸 파우더를 가느다란 붓으로 올린 뒤 800°C 안팎에서 굽고, 다음 색을 올려 다시 굽는다. 모티프가 완성될 때까지 이 과정을 반복하며, 마지막에 투명 에나멜을 씌워 굽는 것이 17세기 제네바에서 발달한 이른바 ‘제네바 기법’이다. 겹겹이 쌓은 색이 유리 아래 봉인되기 때문에 그랑 푀(grand feu) 에나멜은 변색도 산화도 하지 않는다. 메종이 소장한 1785년의 회중시계 다이얼이 아직 새것처럼 보이는 이유다. 불가능해 보이던 것이 가능해지는 순간을 현장에서 본 적이 있느냐는 질문에 셀모니는 휴대전화를 꺼내 사진 한 장을 찾았다. 2012년의 ‘메티에 다르 유니버스 인피니’, M. C. 에셔의 테셀레이션에서 영감을 얻어 다이얼 위에 비둘기 떼를 새긴 시계다. 네 가지 인하우스 공예를 한 다이얼에 순서대로 쌓아 올린 작품이었다. “먼저 골드 베이스에 비둘기를 손으로 조각합니다. 그 위에 에나멜을 올리죠. 그런데 골드를 조각하면 소재에 장력이 생겨 에나멜을 입히는 순간 다이얼이 휘려고 합니다. 절대 피해야 하는 일이죠. 세 번째로 다이아몬드를 세팅하는데, 이때 또 장력이 걸립니다. 에나멜이 깨질 위험이 있어요. 그리고 마지막 공정이 기요셰입니다. 사람 머리카락 한 올 굵기의 도구로 표면을 깎아내는 작업이죠. 다이얼이 완벽하게 평평하지 않으면…” 다이얼 하나에 한 달 남짓이 걸렸다고 그는 기억했다. “대중이 잘 모르는 부분은, 이것이 하나의 도전이 아니라 도전들의 결합이라는 .입니다.” ◇복제가 아니다. 한계를 넘는 재창조다. 전시실의 그림들은 대개 벽면 하나를 차지하는 크기다. 모바일 손오공주소 미국 메트로폴리탄 미술관과 협업으로 탄생한 로이체의 ‘델라웨어 강을 건너는 워싱턴’의 경우 원작은 가로 6m가 넘는다. 거장의 회화를 다이얼로 옮기는 작업은 ‘축소’라는 말로는 부족하다. 셀모니는 첫 번째 난관이 기하학이라고 했다. “회화의 95% 이상은 직사각형이나 정사각형입니다. 둥근 그림은 거의 없죠. 그래서 작품의 주요부를 선택하거나 클로즈업을 택해야 합니다. 고객과 장인 사이에는 항상 중요한 논의가 오갑니다. 우리는 디테일을 최대한 많이 담기 위해 기술의 극한까지 밀어붙입니다.” 바쉐론 콘스탄틴과 메트로폴리탄 미술관의 파트너십을 확장한 'Masterpiece on Your Wrist' 프로그램으로 선보인 Les Cabinotiers 오마주 투 에마누엘 로이체, 델라웨어 강을 건너는 워싱턴. 그는 미니어처 페인팅과 그리자이유(grisaille)를 클루아조네, 샹르베, 플리카주르와 구분해야 한다고 강조했다. 앞의 두 기법은 “에나멜러가 먼저 화가여야” 가능하다는 것이다. 그리자이유는 검은 에나멜 바탕 위에 ‘블랑 드 리모주(blanc de Limoges)’라 불리는 흰 에나멜을 얇게 겹쳐 굽기를 반복하며 명암을 만들어내는 기법으로, 바쉐론 콘스탄틴 공방의 대표적인 마스터 에나멜러가 에나멜과 도자기의 본고장 리모주 출신이라는 사실과 무관하지 않다. 이 말이 구체적인 형상을 갖는 사례가 드가의 발레리나 시리즈에서 영감받은 2013~14년의 ‘오마주 아 라르 드 라 당스’다. “우리는 드가가 최종 채색에 들어가기 전의 드로잉들을 택했습니다. 발레리나의 의상 질감과 주름 효과를 재현하는 것은 극도로 어려운 일이죠. 관람객을 놀라게 하는 것은 그것이 드로잉처럼 평면적이지 않다는 사실일 겁니다. 화이트 에나멜을 한 층씩 차례로 구워 올려 흰색과 회색의 명암을 만들어내기 때문에 깊이감과 입체감이 더해지죠.” 해외 시계 전문지들은 이 시리즈를 두고 “위대함으로 귀결될 수밖에 없는 조합”이라고 평했다. 특히 메종이 관례적인 검은 바탕 대신 반투명한 갈색 에나멜 바탕을 택하고, 그 위에 극도로 다루기 힘든 리모주 화이트 에나멜을 칠했다는 ., 극세 붓과 바늘, 심지어 선인장 가시까지 동원해 드가 특유의 빛의 유희를 재현했다는 .이 주목받았다 야마토2 . 셀모니의 말처럼 이것은 “복제가 아니라, 한계를 넘는 재창조”다. ◇팔리지 않을 것을 알고도 시계 제작을 의뢰하다 상업성을 지향하지 않는 예술. 이 문장이 바쉐론 콘스탄틴과 고객들이 예술을 바라보는 지향.을 압축한다. 제품을 완성하는 기법과 공예 기술을 다음 세대에 넘기는 건 책임감 그 이상이었다. 이윤만 생각했다면 절대 할 수 없는 일이다. “에나멜링은 4000년, 어쩌면 6000년 전부터 있던 장식 공예입니다. 언제나 수집가와 감정가를 위한 공예였죠. 그런데 1970년대부터 쇠퇴하기 시작했습니다. 제네바 예술학교의 에나멜 수업이 폐지될 정도였습니다.” 바쉐론 콘스탄틴은 ‘멘토’이자 일종의 구원자 역할을 했다. 1990년에 뮈리엘 세쇼라는 에나멜러를 지원한 것. 그녀의 작품을 찾는 이가 없더라도 바쉐론은 그녀의 예술적 기법을 존중하며 제품을 꾸준히 의뢰했다고 한다. 노하우를 보존하기 위해서였다. 당대에 인정받지 못했지만 후대에 이르러 세계적인 명성을 얻는 화가들의 일대기를 듣는 듯했다. ①어두운 컬러 에나멜 배경에 리모주 화이트로 구현하는 그리자이유 기법이 적용된 Metiers d'Art 오마주 아 라르 드 라 댄스. ②클루아조네 에나멜로 옛 지도를 표현하고 레트로그레이드 디스플레이로 시간을 보여주는 메르카토르 타임피스. 더 나은 날은 생각보다 빨리 왔다. 1994년 지도학자 헤라르뒤스 메르카토르 서거 400주년에 맞춰 내놓은 ‘메르카토르’는 1930년대 회중시계에서 가져온 이중 레트로그레이드 표시 위에 옛 지도를 클루아조네 에나멜로 옮긴 시계였다. 이후 뮈리엘 세쇼를 비롯해 세계적인 마스터 에나멜 장인인 아니타 포쉐의 작업 시리즈가 뒤따랐다. 셀모니는 “메르카토르가 기술과 에나멜링의 훌륭한 결합이었기에, 에나멜링이 진정으로 재발견되는 초석이 된 순간”이라고 했다. 독일의 시계 전문지 스위스워치스 매거진은 지난해 바쉐론 콘스탄틴의 에나멜을 집중 조명한 기사를 통해 “세쇼와 포쉐, 두 에나멜러가 에나멜링 예술의 기준이 됐다”고 평가했다. 전시된 작품 중 단 하나를 평생 간직해야 한다면 무엇을 고르겠느냐고 물었다 손오공릴게임 다운로드 . “샤갈입니다. 파리 오페라 극장 천장의 작곡가들을 모두 담은 첫 번째 시계. 제게 그것은 아니타 포셰의 경이로운 역작입니다. 100년도 더 된, 지금은 존재하지 않는 안료로 만든 아주 특별한 붉은 에나멜을 썼다고 하더군요. ‘어쩔 수 없이 조금 썼다’고요. 6개월 넘게 걸린 작업으로 압니다.” 2010년 파리 오페라 후원회 30주년 갈라에서 공개된 ‘메티에 다르 샤갈& 오페라 드 파리’는 오페라 가르니에 천장 220㎡에 그린 샤갈의 벽화 전체를 31.5㎜ 다이얼에 옮긴 시계다. 메종은 이 첫 작품을 판매하지 않고 소장하기로 했고, 천장에 등장하는 작곡가 11명에게 헌정한 유니크 피스 11.이 뒤따랐다. ◇불가능이 이루어졌다… 한국인이 소장한 마스터피스 전시 이번 전시의 백미는 별실에 있다. 한국인 컬렉터들이 특별히 내놓은 개인 소장 마스터피스들이 전시된 방이다. 한국 컬렉터들이 ‘마스터피스 온 유어 리스트(Masterpiece on Your Wrist)’ 프로그램으로 주문했거나 소장해 온 유니크 피스다. 개인 컬렉터의 소장품을 공공 전시에 공개하는 것은 세계 어디에서도 드문 일이지만, 셀모니는 이 방에 들어섰을 때의 감정을 숨기지 않았다. “시계 브랜드인 우리와 고객 사이에 충성, 신뢰, 그리고 특별한 것을 나누고 싶어 하는 마음이라는 관계가 어떻게 만들어질 수 있는지 보여주는, 감동적인 사례라고 생각합니다.” 대개 이런 걸작을 소유한 컬렉터들이 남들의 찬사를 받기 위해 자기 소장품을 내놓는 일은 거의 없다는 설명이었다. “브랜드로서의 우리와 예술 애호가로서의 고객이 예술과 문화에 대한 열정과 헌신이라는 공통의 가치를 갖고 있다는 것, 그것이 불가능해 보이는 일을 가능하게 했습니다.” 바쉐론 콘스탄틴은 2019년 루브르 박물관과, 2023년 메트로폴리탄 미술관과 파트너십을 맺었다. 에나멜 시계를 만드는 하이엔드 메종은 여럿인데 왜 두 기관이 이 회사를 택했는지, 그리고 이 협업이 결국 상업적 활용으로 읽히지는 않는지 물었다. 셀모니는 이야기를 18세기로 끌고 올라갔다. “바쉐론 콘스탄틴은 18세기 말에 이미 시계를 수출하기 시작했고 19세기에는 전 세계로 나갔습니다. 그렇게 일찍 세계의 고객을 만난 경험이 우리의 창의성을, 다른 문화와 다른 형태의 예술과 공예에 대한 안목을 길렀습니다 모바일 릴게임 바다이야기사이트 . 예술 및 문화 세계와의 특별한 인연은 거기서 시작됐습니다. 공통의 가치가 있다고 믿었기 때문입니다. 예술의 보존, 공예의 보존, 복원, 그리고 교육.” 페테르 파울 루벤스의 앙기아리 전투 속 깃발을 위한 투쟁이 미니어처 페인팅으로 구현된 타임피스. /바쉐론 콘스탄틴 제공 ‘손목 위의 걸작’ 프로그램의 기원도 자선이었다. 2020년 12월 루브르가 크리스티와 함께 연 자선 경매 ‘비드 포 더 루브르(Bid for the Louvre)’에 바쉐론 콘스탄틴은 ‘낙찰자가 루브르 소장품 중 한 .을 골라 에나멜 다이얼로 재현한 유니크 피스’를 출품했다. 낙찰자가 고른 것은 루벤스가 다빈치의 잃어버린 벽화 ‘앙기아리 전투’를 모사한 소묘였고, 그 시계가 이 붉은 방에 걸린 루벤스 그림 앞에 놓여 있다. 이 한 。이 프로그램의 토대가 됐고, 2023년 루브르에서, 2024년 메트로폴리탄에서 정식 프로그램으로 확장됐다. 메트 측은 당시 이 협업이 창의성을 기리고 예술적 전통을 보존하려는 워치메이커의 오랜 노력과 미술관의 사명이 맞닿아 있다고 밝힌 바 있다. 현장에 전시된 에마누엘 로이체의 ‘델라웨어 강을 건너는 워싱턴’ 작품의 시계는 이번이 첫 공개로 또 다른 화제를 몰고 있다. ◇절제, 그 아름다움 셀모니는 에나멜러의 기법 등 시계 이면에 아로새겨진 장인들의 땀방울과 예술성을 경험하라고 당부했다. 유머러스한 그의 말투는 한국 공예에 대한 헌사로 이어졌다. “한국 공예에 대한 깊은 존중이 전 세계에 있습니다. 부드러움과 절제 때문입니다. 예술과 고전을 사랑하는 사람들에게 말을 거는 무엇이 있어요. 단순함과 세련됨을 단순한 방식으로 표현하는 능력이 독보적이지요. 우리 서양인들은 그다지 잘하지 못하는 일이기도 합니다.(웃음)” 800°C의 불을 서른 번 견디고서도 서른한 번째 불꽃 앞에서 누구나 무(無)로 돌아갈 수 있는 기법. 그 기법이 사라져가던 시절, 팔리지 않을 시계를 사들여 금고에 넣으며 불씨를 지킨 메종. 그리고 그 불씨가 271년을 이어와 이제 서울 청담의 붉은 전시장을 뜨거운 열정으로 달구고 있었다. 붓 한 올과 머리카락 굵기의 도구가 남긴 것은 시계라기보다, 지금 이 순간에도 사라질 수 있었던 예술적 기술이 아직 살아 있다는 증거에 가깝다. ‘아트 오브 타임’, 바로 그 자체였다. 를 받기 위해 자기